Cuando uno recuerda One Flew Over the Cuckoo’s Nest (en España, «Alguien voló sobre el nido del cuco»; en América del Sur, «Atrapado sin salida»; en México, América Central y Caribe, «Atrapados sin salida»), lo primero que salta a la memoria es el actor Jack Nicholson en la piel del criminal reincidente Randle McMurphy, convirtiendo aquella actuación en un inolvidable derroche de maestría que le valió un Óscar, un Globo de Oro y un BAFTA por mejor actor masculino.
Pero,
- ¿qué tal la actuación de Louise Fletcher en el personaje de la odiada enfermera Ratched, que inspiró una serie televisiva en Netflix? La actriz ganó los mismos premios que Nicholson.
- ¿qué tal el despunte de Brad Dourif, quien nos regaló aquel tartamudo frágil, temeroso, subyugado a la enfermera diabólica? Él no ganó el Óscar por mejor actor de reparto, pero sí el BAFTA por esa categoría, y el Globo de Oro por «nueva estrella del año».
- ¿qué decir de la actuación de Danny DeVito, quien creó a un personaje ficticio con quien hablaba, que salió de su propia inspiración? Por cierto, su debut en el cine.
- ¿y de los actores que no eran profesionales —ni siquiera amateurs—, que nunca habían estado delante de una cámara y representaron a enfermos mentales? Como Will Sampson, en el papel de «Jefe» Bromden. Aquí, por cierto, comenzó la carrera artística de ese hombre.
¿Y la dirección de Miloš Forman, a quien no en balde dejé para el final? Los conocedores dicen que su mano evitó que Nicholson hiciese de esa película su show personal, al lograr destacar la fuerza del resto de los personajes y con ello, por supuesto, el histrionismo de los otros actores.
Una muy breve presentación
One Flew Over the Cuckoo’s Nest es una películadramática estadounidense de 1975 dirigida por Miloš Forman, basada en la novela de 1962 One Flew Over the Cuckoo’s Nest de Ken Kesey.
El rodaje comenzó en enero de 1975 y duró tres meses, teniendo lugar en Salem, Oregón, y sus alrededores, así como en la costa de ese estado. Los productores decidieron rodar la película en el Hospital Estatal de Oregón, un hospital psiquiátrico real, ya que este fue también el escenario de la novela.
Considerada por muchos como una de las mejores películas jamás hechas, esta ocupa el número 33 en la lista AFI’s 100 Years…100 Movies (los 100 años del American Film Institute… 100 Películas ). La película fue la segunda en ganar los cinco grandes premios de la Academia (Mejor Película, Mejor Actor en Papel Principal, Mejor Actriz en Papel Principal, Mejor Director y Mejor Guion) después de It Happened One Night en 1934, un logro no repetido hasta 1991 con The Silence of the Lambs.
También ganó numerosos Globos de Oro y premios BAFTA. En 1993, la película fue considerada «cultural, histórica o estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine.
La película a través de ojos críticos
Una de las cosas que siempre he disfrutado de una película es escuchar la crítica, la descomposición que los expertos hacen de la misma. Sí, casi todo el mundo odia a los críticos de cualquier cosa, pero son quienes también nos ayudan a comprender las entrañas del guion, las razones de los directores y escritores, el alma de los actores y actrices. Eso, siempre me ha gustado.
Así que, para esta dedicatoria a una realización gigante, mi primera intención es la de ponerles en conocimiento de la opinión de Roger Ebert, crítico de cine del Chicago Sun-Times desde 1967 hasta su muerte en 2013. En 1975, ganó el Premio Pulitzer por críticas distinguidas. Ebert puso a esta película en su lista de «Grandes Películas».
Roger Ebert: Hay un primer plano curiosamente extendido de Jack Nicholson en cuatro quintas partes del trayecto a través de One Flew Over the Cuckoo’s Nest. Lo percibimos porque es muy notorio. Muestra a su personaje, R.P. McMurphy, perdido en sus pensamientos. Eso se ve en el punto de equilibrio entre las bromas y la risa de las primeras partes de la película, y el descenso final a la tragedia. ¿En qué está pensando? ¿Está planeando un nuevo desafío, o darse cuenta de que todo está perdido?
El misterio de lo que McMurphy está pensando es el misterio de la película. Todo conduce a una escena tardía donde se encuentra dormido en el suelo junto a una ventana abierta. Al decidir no escapar, ha elegido más o menos su propio destino. ¿Se le ha agotado la fuerza de la vida? Después de su levantamiento contra la institución mental, después de la rebelión de los reclusos que él lidereó, después de las transformaciones que reafirmaron las vidas de Billy y el «Jefe», después de su regreso de una dosis inicial de terapia de electrochoque, ¿ha llegado por fin al final de su esperanza?
(…) Estuve presente en su estreno mundial, en el Festival de Cine de Chicago de 1975, en el Uptown Theatre de 3.000 asientos, y nunca he escuchado una recepción más tumultuosa para una película (no, ni siquiera durante E.T. The Extra-Terrestrial en Cannes).
Después de la proyección, el joven coproductor, Michael Douglas, deambuló por el vestíbulo, aturdido.
Pero ¿qué pensaba el público, que amaba tanto la película? La película es recordada como una comedia sobre la revuelta de presos liderada por McMurphy, el viaje de pesca, la orgía de toda una noche, y su desafío a la enfermera Ratched (Fletcher) pero, de hecho, se trata de la derrota de McMurphy. Uno puede llamarlo una victoria moral, y regocijarse en la fuga del «Jefe», pero eso es un pequeño consuelo para McMurphy.
La película está basada en la novela más vendida de Ken Kesey en 1962, que Pauline Kael observó «contenía la esencia profética de todo el período de Vietnam de que la política revolucionaria se vuelve psicodélica». Disminuida hasta una parábola sobre la aplicación de la sociedad del conformismo para la década del 70, la película casi intencionalmente pasó por alto las realidades de las enfermedades mentales con el fin de convertir a los pacientes en un grupo de personajes mimosos listos para seguir las animosidades de McMurphy.
Descubrimos que el «Jefe» no es realmente mudo, Billy no necesita tartamudear, y otros no necesitan estar paralizados por la timidez o el miedo. No serán curados por las píldoras de la enfermera Ratched, Muzak y los grupos de discusión, sino por McMurphy, quien los dejará comportarse como chicos: para ver la Serie Mundial en la televisión, ir a pescar, jugar al baloncesto, emborracharse, tener sexo. El mensaje para estos miserables reclusos es: Sé como Jack.
El enfoque simplista de la película sobre la enfermedad mental no es realmente culpa de ella, porque no se tiene ningún interés en que sea sobre la locura. Se trata de un espíritu libre en un sistema cerrado. La enfermera Ratched, que es tan inflexible, tan desapercibida, tan sosamente segura de que tiene razón, representa el matriarcado en su extremo radical, y McMurphy es el Huckleberry Finn que quiere desprenderse de su versión de la civilización.
La película es, entre otras cosas, profundamente temerosa de las mujeres; las dos únicas retratadas positivamente son las amigas prostitutas de McMurphy, Candy y Rose. Me refiero a esto como una observación, no como una crítica.
El pasado de McMurphy es insinuado al principio de la película; fue sentenciado a una granja de prisión por agresión criminal contra una niña menor de edad («me dijo que tenía 18 años»), y ha sido enviado a la institución mental para su «evaluación». Tiene 38 años, obviamente es infernal y, sin embargo, profundamente democrático: toma a los pacientes como son, trata sus enfermedades como opciones que pueden ser revertidas, y trata de liberarlos con mucha fuerza de voluntad. La película ve a los pacientes de la misma manera.
La fotografía y la edición suministran tomas de reacción que casi siempre tienen el mismo mensaje: La expresión fija de un paciente determinado se malinterpreta debido al nuevo contexto proporcionado por McMurphy. Considere la escena donde McMurphy ha robado el barco y tiene a sus amigos a bordo. Cuando es interrogado, los presenta a todos como médicos, y hay cortes rápidos de primer plano de cada uno mirando «con estilo de médico». Esto no tiene nada que ver con la enfermedad mental, sino con todo lo inherente a la comedia.
La actuación de Nicholson es uno de los puntos más altos en una larga carrera de rebeldes envidiables. Jack es una presencia estadounidense querida, un excelente actor que aún más crucialmente es un magnífico duende masculino. El chiste que acecha bajo la superficie de la mayoría de sus actuaciones es que él se sale con la suya porque sabe cómo hacerlo, quiere y tiene el valor de hacerlo.
Sus personajes son sinónimo de libertad, anarquía, autogratificación y porfiada resistencia contra el sistema, y a menudo también son sinónimo de amistad generosa y una especie de nobleza desgastada. La clave del éxito de su trabajo en About Schmidt es que oculta estas cualidades, se convierte en uno de los pacientes, en lugar del liberado McMurphy.
Si su actuación es justamente celebrada, la de Louise Fletcher, a pesar del Oscar, no es apreciada lo suficiente. Esto puede deberse a lo minuciosamente despreciable que su enfermera Ratched es, y porque encarna a plenitud las cualidades que a todos (hombres y mujeres) se nos ha enseñado a temer en un cierto tipo de figura de autoridad femenina, una mujer que ha subsumido sexualidad y humanidad en el deber y la rectitud.
Vestida con su traje de enfermera cuasi militar, con su pequeño sombrero y su capa al estilo de la Guerra Civil, es dominatriz y alcaide, seguida en todas partes por la pequeña enfermera que es su acólito.
Debido a que reaccionamos con tanta vehemencia ante su presencia, apenas notamos la actuación de Fletcher. Pero miren su calma preternatural, su impasible «justicia», su inflexible adhesión a las reglas, como en la escena donde exige a McMurphy obtener un voto mayoritario para poner la Serie Mundial en la televisión.
Esto, a pesar del hecho de que la mayoría de los pacientes no entienden por qué votan. Al final, cuando se decide el destino final de McMurphy, tenga en cuenta cómo el administrador masculino sugiere tentativamente que lo envíen de vuelta a la granja de la prisión, pero Ratched lo contradice con firmeza: «No debemos transmitir nuestras responsabilidades a otra persona».
¿No es One Flew Over the Cuckoo’s Nest una gran película porque es manipuladora, o es genial porque es tan magníficamente manipuladora? Puedo verlo a través de cualquiera de esas opciones. Sigue siendo perdurablemente popular como una parábola anti-institucional, pero logra su éxito al elegir a propósito el utilizar a los pacientes mentales como caricaturas cómicas.
Esta decisión conduce al viaje de pesca, que es a la vez la más popular y la más falsa escena en la película. Es el gran pulgar alegre de McMurphy en el ojo de Ratched y las de su especie, pero la energía de la secuencia no puede disimular el malestar y la confusión de los hombres que, en muchos casos, no tienen idea de dónde están, o por qué.
Considere en comparación el discurso tranquilo y nocturno del «Jefe» (Will Sampson), que habla de su padre. Esta es una ventana a un personaje real con problemas reales, que ha elegido ser considerado sordo y mudo en lugar de hablar de ellos. El tratamiento de McMurphy funciona para él, y conduce a la triste perfección de las escenas finales, durante las cuales, si pudiera verlas, McMurphy estaría orgulloso de su alumno estrella.
Milos Forman, nacido en Checoslovaquia en 1932, se ha convertido en uno de los grandes intérpretes de los modales y las costumbres americanas. Líder de la Nueva Ola Checa, sus primeras películas como Loves of a Blonde (1965) y The Firemen’s Ball (1968) ganaron al público mundial su uso del humor paradójico (en lo que puede entenderse como una parábola de la vida bajo el comunismo, los bomberos llegan demasiado tarde para salvar un granero, pero cuando el agricultor se queja del frío, lo acercan solícitamente a las llamas).
Después de la «primavera de Praga» llegó la represión soviética, y Forman huyó a Estados Unidos, donde ha tenido un éxito extraordinario (su Amadeus en 1984, producido por el coproductor de Cuckoo…, Saul Zaentz, ganó siete Óscares, incluyendo mejor película y director).
Mira los temas americanos por excelencia de sus películas: Los jóvenes fugitivos y los padres convencionales de Taking Off (1971), el musical antibélico Hair (1979), el romance histórico de Nueva York Ragtime (1981), la defensa de un escombrero en The People vs. Larry Flynt (1996), el retrato de un bromista a lo McMurphy, como Andy Kaufman, en Man on the Moon (1999).
Él ve su tierra adoptada en términos de sus mejores tradiciones inconformistas y foráneas, en un momento en que la conformidad es el nuevo credo. Su McMurphy tiene éxito y prevalece como un personaje, a pesar de las imperfecciones de la película, porque representa ese espíritu purificador que viene de vez en cuando para renovarnos.
Habrá más para saber en la próxima entrega de este homenaje.
El abrevadero de José Mario 